Para celebrar el post N° 200 de este blog nada mejor que hacer una reseña del gran diseñador Inglés Peter Saville.

Peter Saville nació en Manchester en el año 1955. Estudió diseño gráfico en la Manchester Polytechnic (más tarde Universidad Metropolitana de Manchester) desde 1975 hasta 1978.

FAC1

Saville entró en la escena musical después de reunirse con Tony Wilson, el periodista y presentador de televisión, a quien se acercó en un show de Patti Smith en 1978. Esto dio lugar a que Wilson le comisionara la realización del primer cartel de Factory Records (FAC 1). Saville se convirtió en socio de Factory Records, junto con Wilson, Rob Gretton y Alan Erasmus.

La era Factory Records

Peter Saville diseñó muchas de las tapas de los artistas de Factory Records, sobre todo para Joy Division y New Order.

Influenciado por su compañero de clase Malcolm Garrett, que había comenzado a diseñar para el grupo de punk de Manchester, los Buzzcocks, y por Herbert Spencer Pioneros de la Tipografía Moderna, Saville fue inspirado por Jan Tschichold, principal propagandista de la Nueva Tipografía.

Según Saville:

“Malcolm tenía una copia de Herbert Spencer’s Pioneers of Modern Typography. Uno de los capítulos que no había reinterpretado en su propia obra fue la fría y disciplinada” Nueva Tipografía “de Tschichold cuya sutileza me llamo la atención. Encontré un paralelo en la misma para la nueva ola que se desarrollaba fuera del Punk. “

El diseño de Saville del último álbum de Joy Division, Closer, fue lanzado poco después del suicidio de Ian Curtis en mayo de 1980, creando una fuerte controversia en su descripción del cuerpo de Cristo sepultado. Sin embargo, el diseño es anterior a la muerte de Curtis, un hecho que revista de rock New Musical Express fue capaz de confirmar, ya que podido demostrar que la obra estaba expuesta en sus paredes durante varios meses previos.

El periodo posterior de Saville incluye la reapropiación del arte y el diseño.  Alice Twemlow, crítica de diseño, escribió:

“… en la década de 1980 … de modo directo y irreverentemente “levantó” una imagen de un género puntual -por ejemplo- la historia del arte y logró recontextualizarla en otro. El cuadro de Fantin-Latour, “Rosas”, combinándola con un alfabeto de colores se convirtió en la portada del álbum seminal de New Order Power, Corruption and Lies (1983), por ejemplo.”

En la película de 2002, 24 Hour Party People, que está basada en Tony Wilson y la historia de Factory Records, Saville es interpretado por el actor Enzo Cilenti. Su reputación por el incumplimiento de los plazos es cómicamente destacado en la película.

Después de Factory Records

En 1979 se trasladó de Manchester a Londres y se convirtió en director de arte del subsello de Virgin Records, DinDisc. Posteriormente, profundizó su refinamiento sobre el Modernismo, trabajando para artistas como Roxy Music, Duran Duran, Wham!, Ultravox y Orchestral Manoeuvres in the Dark.

Saville fundó la agencia de diseño Peter Saville Associates (sobre todo para el diseño de artistas musicales y sellos discográficos) antes de que él fuera invitado a cerrar su oficina en 1990 para unirse al estudio Pentagram.

En 1993 salió de Londres y se mudó a Los Angeles para unirse a la agencia de publicidad de Frankfurt Balkind con Brett Wickens. Pronto regresó a Londres donde contactó al diseñador Howard Wakefield para reiniciar el estudio de diseño. Durante 3 años se dieron a conocer como The Apartment for the German advertising agency Meiré & Meiré desde el departamento modernista Saville en Mayfair, que también se duplicó con un estudio de Londres. (El mismo departamento es el que se representa en la tapa del álbum de Pulp “This Is Hardcore”).

El estudio produjo trabajos para clientes como Mandarina Duck y Smart. En 1999 se trasladó a las oficinas de Saville en Clerkenwell para después cambiar el nombre del estudio en 2002 como “Saville Associates” (en 2005 pasó a denominarse “Saville, Parris, Wakefield”).

Saville creció en la demanda de generaciones más jóvenes de publicitarios y modistas, que crecieron influenciados con sus trabajo para Factory Records. Logró un auge comercial con diversos clientes para realizar consultoría de diseño, como Selfridges, EMI y Pringles. Otras comisiones importantes venían del campo de la moda, incluidos Jil Sander, Martine Sitbon, John Galliano, Yohji Yamamoto, Christian Dior y Stella McCartney.

Saville trabajó a menudo en colaboración con su amigo de años, el fotógrafo Nick Knight. Los dos lanzaron un sitio web de arte y moda SHOWstudio en noviembre de 2000. El diseñador de moda belga Raf Simons consiguó acceso total a los archivos de los proyectos de Factory para integrarlas en la colección “Closer Raf Simon” Otoño / Invierno 2003-4.

En 2004, se convirtió en director creativo de la ciudad de Manchester, como consultor.

En 2010, Saville diseñó la camiseta de la Selección Inglesa de Fútbol.

Recién estaba leyendo el artículo publicado en el blog del diario La Nación “No te pongas azul” escrito por Juan López, en el cual se lo destaca como el “inventor del motion graphics”; título al que adhiero, pero sin dejar de lado el resto de las obras gráficas de las que es autor y que lo convirtió en uno de los más importantes diseñadores del Siglo XX.

Saul Bass

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn, cuyo maestro era Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro quien había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al Constructivismo ruso.

Después de estar trabajando en varios despachos de diseño en New York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico (o “artista comercial” como comúnmente se les llamaba). Bass decidió mudarse a “Los Angeles” en 1946, debido a que en Nueva York estaba teniendo muchos impedimentos para desarrollarse creativamente. Abrió su propio estudio en 1950, dedicado principalmente a la publicidad hasta que Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película en 1954, Carmen Jones. A éste le impresionó mucho el trabajo de Bass y le pidió que diseñara la secuencia del título de la película también. Luego siguió el diseño de títulos de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch( La Tentación Vive Arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Bass siguió su camino en el mundo del diseño en el cine. Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Colaboró con Alfred Hitchcock y hasta fue participante en la famosa película Psycho durante la escena de la ducha, de la cual se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa, Elaine, diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios cortometrajes, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con el cual ganó un Oscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV.

En paralelo, fue el encargado en diseñar algunos de los mejores posters de películas de la historia.

Saul Bass - Movie Posters

Después regresó al diseño gráfico comercial. Entre los más exitosos incluye los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Saul Bass Logo Design

Hasta el final de su vida siguió colaborando con su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El Cabo del Miedo), The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los 90′s.

Saul Bass falleció en 1996.

Fuente: Wikipedia

Justin Reed es un ilustrador Estadounidense, nacido en 1979, y recibido en la Universidad de Massachusetts-Dartmouth como Ilustrador en la carrera de Bellas Artes. Sus trabajos reflejan la cultura pop cinemátográfica retratando a sus personajes más icónicos.

Es destacable también el uso y detalle de las perspectivas que crea de fondo en sus obras.

Recomendamos visitar su blog para conocer un poco más sobre su proceso de trabajo.

Portfolio / Blog

The Dark Knight

A Clockwork Orange

Gangsters

Pues este señor, Michael Kustche,  es el que se ha encargado de diseñar los personajes animados de la última de Tim Burton. Talento no le falta al muchacho, como demuestra la infinidad de detalles de sus criaturas, así como las texturas.

Actualmente está trabajando para Dreamworks y es que nuestro amigo Michael tiene clientes como Marvel, SONY, SEGA, BMW o Saatchi&Saatchi.

[ Leer entrevista con Michael Kutsche ]   [ Visitar su web ]

Visto en… Ateneu Popular

Logorama from Diserrolladores on Vimeo.

Una historia de 17 minutos al más puro estilo hollywoodiense. Logorama es una película en la que, entre personajes, escenarios y objetos, aparecen más de 2.500 logos. El corto empieza a emitirse ahora después de 4 años de trabajo de H5.

Ludovic Houplain, fundador de este estudio francés, cuenta que con Logorama no pretendían hacer “una pieza artística”. La intención era crear una historia que “cualquiera pueda ver y disfrutar”.

¿Cómo surgió la idea de hacer una película de logotipos y marcas?

La primera vez que me vino esta idea fue después de realizar el videoclip El niño. Lo hice con Antoine Bardou Jaquet en 1999. Diseñamos un mundo en el que sólo había tipografías. Nuestra compañía de producción de aquella época, Mini Minuit, nos propuso hacer un clip para el grupo francés Telepopmusic. Ya entonces propuse hacer un corto con logotipos americanos y rusos. La idea era establecer un duelo Este-Oeste mediante sus logos y expresar así el choque entre las 2 culturas y las 2 superpotencias. Pero el proyecto hizo aguas.

Durante 2 años trabajé con mi hermano Cyril Houplain en la búsqueda de logos de distintas épocas y durante un año el proyecto quedó en stand-by. Después de una ceremonia de MTV nos propusimos hacer un clip para George Harrison. El quería un videoclip que criticara la sociedad de consumo. Después readaptamos la idea con Hervé de Crécy y la ambientamos en Nueva Orleans. La ciudad constituida completamente por logotipos era arrasada por un ciclón. Las calles quedaban inundadas, los logos eran arrancados de su lugar y arrastrados por la corriente.

La compañía discográfica quedó encantada con el trabajo pero nos preguntó: ¿Cómo podéis hacer para diseñar todos estos logotipos falsos? Y nosotros dijimos que no tenía ningún sentido si los logos no eran reales. Cuando George Harrison murió, pensé que era el momento de retomar la idea y no venderla jamás. H5 produciría la película. Nicolas Rozier y yo buscamos a los productores capaces de hacer una película así sin ningún tipo de censura. Dimos con Nicolas Schmerkin, de Minuit Production, y junto a él encontramos a los partners financieros, Mikros Images, Addict y Canal+.

Empezamos a producirla en 2006. Queríamos crear una instantánea real de la sociedad contemporánea a través de sus dos vectores más poderosos, los logotipos y los medios audiovisuales. Es, de alguna manera, una extensión del pop-art.

Logorama es una película contada como las clásicas superproducciones de Hollywood. ¿Por qué elegisteis este tipo de narración?

Es una caricatura de los largometrajes hollywoodienses. En H5 queremos que los espectadores se metan fácilmente en la película. Nosotros construimos diferentes estereotipos de la cultura popular cinematográfica, con los 2 protagonistas (el bueno: Bibendum de Michelín, y el malo: Ronald McDonald) y los personajes secundarios que dan más riqueza a la historia (el Gigante Verde, Mr. Proper, Haribo, Big Boy, el niño de Bic…). Del sonido se ha hecho cargo Humanworldwide, en EEUU, y tiene una importancia enorme dentro del film. Da una auténtica dimensión de superproducción a la película.

Ronald McDonald es el chico malo. Haribo es un adolescente travieso. Sun Microsystem es el sol… ¿Nos cuentas algunos detalles del casting?

¿Por qué Ronald McDonald? Muy simple. Porque en el casting realizado entre 45.000 logotipos no había nada más parecido al joker de Batman. Tiene la imagen y la actitud ideal para hacer el papel de psicópata. Queríamos contar una persecución de los hombres de LAPD a un traficante de armas que se está fugando por las calles de Los Angeles.

Para seleccionar cada uno de estos roles, dibujé junto a Hervé de Crécy varios story boards sin ningún logotipo. Sólo queríamos la narración de la historia, como un clásico. Y una vez decidido cuál sería el story board definitivo, hicimos la selección de roles mediante un casting de 45.000 logotipos. No pensamos que cada logo utilizado fuera una representación exacta de cada personaje real. Los criterios de selección se basaron en el sentido común, la popularidad, la actualidad…

Ronald fue seleccionado claramente por su psique de payaso psicópata. La decisión de que Sun Microsystem fuera el sol cae por su propio peso. Igual que hacer de Formica la mesa de la cena Pizza Hut. Otras enseñas como Freddy Mac y Enron aparecen por su actualidad. Es una película con muchas lecturas posibles.

¿Por qué no queréis difundir el corto en la Red?

Es una decisión fundamentalmente artística. No estamos contentos con la calidad que ofrecen las plataformas actuales para compartir vídeo. Es interesante para la transmisión, la curiosidad y la información. Pero para la difusión de una obra artística es lamentable. YouTube o Dailymotion no tienen todavía suficiente calidad técnica.

¿Dónde se puede ver Logorama?

En Canal+, en algunos festivales, en ciertos museos… Para su emisión en TV todo dependerá de los responsables de programación. Ellos son los que tienen que considerar el riesgo de difundir un contenido que… ¿podría molestar a sus anunciantes? Nosotros hacemos el film. Después nuestros productores son los que tienen que moverlo y encontrar las formas más idóneas de exposición.

¿Habéis recibido feed-back de algún anunciante presente en Logorama?

Los responsables de Dior nos han dicho que les hubiera gustado estar en la película.

Entrevista tomada de Yorokobu

El artista Olly Moss es probablemente mejor conocido por sus diseños de camisetas que se han extendido por virus a través de la internet.

Olly ha decidido crear una serie de carteles de películas reinterpretados con estilo moderno y minimalista.

Die Hard

The Dark Knight

Charlie Chaplin’s The Great Dictator

American History X

Deer Hunter

Rain Man

Greg Williams nos introduce a hurtadillas en el mundo de los rodajes, en el de los ensayos, en el de detrás de la cámara… Pero tambien en los festivales o en las pasarelas de moda.

EepyBird’s Sticky Note experiment from Eepybird on Vimeo.

SUPERGRASS “Bad Blood” from Tokib on Vimeo.

Una excelente banda, un excelente tema… obviamente un  excelente video. La visión de los músicos enfocado no precisamente en los músicos. Vean y comenten…

Títulos Dexter

Art of the Title es una exquisita selección de créditos de inicio y/o de películas y serie de televisión. Están organizados por categorías y orden alfabético en forma de capturas secuencias de imágenes y en vídeo de excelente calidad para verlas y disfrutarlas.

Visto en Microsiervos