La revista LIFE publicó una selección de diversos avisos antiguos para publicitar una de las bebidas alcohólicas más consumidas a nivel mundial:

Publicidades al estilo Mad Men, donde el mensaje va en contra de muchos principios morales actuales, pero bueno, hay quienes dicen que no hay nada mejor que las viejas épocas…

SEXISM

TABACCO

ALCOHOL

RACISM

BÉBÉS/ENFANTS

OTHERS

—Pasó el dato Flor, gracias!

Para celebrar el post N° 200 de este blog nada mejor que hacer una reseña del gran diseñador Inglés Peter Saville.

Peter Saville nació en Manchester en el año 1955. Estudió diseño gráfico en la Manchester Polytechnic (más tarde Universidad Metropolitana de Manchester) desde 1975 hasta 1978.

FAC1

Saville entró en la escena musical después de reunirse con Tony Wilson, el periodista y presentador de televisión, a quien se acercó en un show de Patti Smith en 1978. Esto dio lugar a que Wilson le comisionara la realización del primer cartel de Factory Records (FAC 1). Saville se convirtió en socio de Factory Records, junto con Wilson, Rob Gretton y Alan Erasmus.

La era Factory Records

Peter Saville diseñó muchas de las tapas de los artistas de Factory Records, sobre todo para Joy Division y New Order.

Influenciado por su compañero de clase Malcolm Garrett, que había comenzado a diseñar para el grupo de punk de Manchester, los Buzzcocks, y por Herbert Spencer Pioneros de la Tipografía Moderna, Saville fue inspirado por Jan Tschichold, principal propagandista de la Nueva Tipografía.

Según Saville:

“Malcolm tenía una copia de Herbert Spencer’s Pioneers of Modern Typography. Uno de los capítulos que no había reinterpretado en su propia obra fue la fría y disciplinada” Nueva Tipografía “de Tschichold cuya sutileza me llamo la atención. Encontré un paralelo en la misma para la nueva ola que se desarrollaba fuera del Punk. “

El diseño de Saville del último álbum de Joy Division, Closer, fue lanzado poco después del suicidio de Ian Curtis en mayo de 1980, creando una fuerte controversia en su descripción del cuerpo de Cristo sepultado. Sin embargo, el diseño es anterior a la muerte de Curtis, un hecho que revista de rock New Musical Express fue capaz de confirmar, ya que podido demostrar que la obra estaba expuesta en sus paredes durante varios meses previos.

El periodo posterior de Saville incluye la reapropiación del arte y el diseño.  Alice Twemlow, crítica de diseño, escribió:

“… en la década de 1980 … de modo directo y irreverentemente “levantó” una imagen de un género puntual -por ejemplo- la historia del arte y logró recontextualizarla en otro. El cuadro de Fantin-Latour, “Rosas”, combinándola con un alfabeto de colores se convirtió en la portada del álbum seminal de New Order Power, Corruption and Lies (1983), por ejemplo.”

En la película de 2002, 24 Hour Party People, que está basada en Tony Wilson y la historia de Factory Records, Saville es interpretado por el actor Enzo Cilenti. Su reputación por el incumplimiento de los plazos es cómicamente destacado en la película.

Después de Factory Records

En 1979 se trasladó de Manchester a Londres y se convirtió en director de arte del subsello de Virgin Records, DinDisc. Posteriormente, profundizó su refinamiento sobre el Modernismo, trabajando para artistas como Roxy Music, Duran Duran, Wham!, Ultravox y Orchestral Manoeuvres in the Dark.

Saville fundó la agencia de diseño Peter Saville Associates (sobre todo para el diseño de artistas musicales y sellos discográficos) antes de que él fuera invitado a cerrar su oficina en 1990 para unirse al estudio Pentagram.

En 1993 salió de Londres y se mudó a Los Angeles para unirse a la agencia de publicidad de Frankfurt Balkind con Brett Wickens. Pronto regresó a Londres donde contactó al diseñador Howard Wakefield para reiniciar el estudio de diseño. Durante 3 años se dieron a conocer como The Apartment for the German advertising agency Meiré & Meiré desde el departamento modernista Saville en Mayfair, que también se duplicó con un estudio de Londres. (El mismo departamento es el que se representa en la tapa del álbum de Pulp “This Is Hardcore”).

El estudio produjo trabajos para clientes como Mandarina Duck y Smart. En 1999 se trasladó a las oficinas de Saville en Clerkenwell para después cambiar el nombre del estudio en 2002 como “Saville Associates” (en 2005 pasó a denominarse “Saville, Parris, Wakefield”).

Saville creció en la demanda de generaciones más jóvenes de publicitarios y modistas, que crecieron influenciados con sus trabajo para Factory Records. Logró un auge comercial con diversos clientes para realizar consultoría de diseño, como Selfridges, EMI y Pringles. Otras comisiones importantes venían del campo de la moda, incluidos Jil Sander, Martine Sitbon, John Galliano, Yohji Yamamoto, Christian Dior y Stella McCartney.

Saville trabajó a menudo en colaboración con su amigo de años, el fotógrafo Nick Knight. Los dos lanzaron un sitio web de arte y moda SHOWstudio en noviembre de 2000. El diseñador de moda belga Raf Simons consiguó acceso total a los archivos de los proyectos de Factory para integrarlas en la colección “Closer Raf Simon” Otoño / Invierno 2003-4.

En 2004, se convirtió en director creativo de la ciudad de Manchester, como consultor.

En 2010, Saville diseñó la camiseta de la Selección Inglesa de Fútbol.

Dicidí que a partir de este post y los próximos, hasta nuevo aviso o salvo ante algo que llame mi atención, van a estar relacionados a la música. ¿Por qué? Porque si, tengo ganas, me gusta y lo más importante es que es mi blog. Dando vueltas  por la red de redes, buscando información sobre este tema encontre un blog colega “Sleeve Design”, donde su autor recopila tapas de discos que por algún motivo, casualidad, homenaje, pocas ideas, parodia o simplemente plagio, se parecen mucho.

La selección ya lleva más de 4 años, por lo que hay mucho para ver. Lo más destacado es que los artistas más “homenajeados” son los Beatles y los Rolling Stones, con versiones de sus tapas representadas de manera bastante curiosa y a veces absurdas.

He aquí una breve selección de algunas:

Ron Geesin & Roger Waters Music from The Body (1970)	Robert Miles Organik (2001)

Oasis Be Here Now (1997)	Libido Killing Some Dead Time (1998)

David Bowie and the Spiders from Mars The Rise and Fall of Ziggy Stardust (1972)	Pulp Bad Cover Version EP (2002)

Mazzy Star She Hangs Brightly (1991)	M. Ward Duet for Guitars #2 (1999)

Radiohead Hail to the thief (2003)	Third Day Revelation (2008)

Elvis Presley How Great Thou Art (1967)	El Vez How Great Thou Art – The Greatest Hits (1994)

The Rolling Stones Let it Bleed (1969)	K.G.B. Fiesta Fiasko (2005)

Strangelove Time for the Rest of your Life (1994)	John Frusciante DC EP (2004)

Simon and Garfunkel Sounds of Silence (1966)	Color Filter Blueberry (2007)

Bad Religion Tested (1997)	The Divine Comedy Victory for the Comic Muse (2006

John Phillips John the Wolfking of LA (1970)	Bob Dylan Desire (1976)

Ron Geesin & Roger WatersMusic from The Body (1970)	Robert MilesOrganik (2001)

Evolución del logotipo

Orfebre y grabador en Montbeliard, a Justin Blazer le encarga Peugeot Hermanos dibujar un león que serviría como marca de fábrica para las sierras y otros artículos de acero que salen de sus talleres.

En una carta fechada 1847, se apela “al buen gusto del orfebre para dar al dibujo y a las letras la mejor disposición posible”. Entre los proyectos, es elegido el de un león pisando orgullosamente una flecha, creado y depositado como marca en el Conservatorio Imperial de Artes y Oficios. A partir de 1899, el rey de los animales viaja sobre las bicicletas; en 1906, sobre los automóviles Lion; en 1913, sobre los automóviles Bebé..

En 1948 se adopta el león de las armas del Franco Condado. Se comentó mucho acerca de ese león; algunos creían ver en él un recuerdo del león esculpido por Bartoldi en la roca de Belfort cuya copia reducida se encuentra en París, en la plaza Rochereau. Pero en realidad el escultor ejecutó aquel monumento más tarde, pues estaba destinado a glorificar la heroica resistencia de los habitantes de la ciudad de Belfort ante los Prusianos durante la guerra de 1870.
Para Peugeot, el León simbolizaba las cualidades de las sierras: resistencia de los dientes, flexibilidad de la hoja y velocidad de corte, o sea las características del fogoso animal. El León, marca registrada bajo el segundo imperio, ha evolucionado a lo largo de los años.

UN NUEVO PROYECTO DE MARCA RESULTADO DE 200 AÑO DE INSPIRACIÓN

La imagen del León, ligado a Peugeot desde 1858, cambia. Creado por los diseñadores de Peugeot, el nuevo León de la parrilla:

• Es más simple en su diseño,
• Gana en dinamismo al adoptar una nueva postura, un movimiento nuevo,
• Juega con la metalización combinando mate y brillante para un aspecto bi-metálico dual.

El primer vehículo que exhibirá el nuevo León es el Peugeot RCZ que se lanzará en la primavera de 2010. En este caso, lo vemos expuesto sobre el concept SR1.

Además, para presentar e ilustrar en cualquier parte del mundo este proyecto de marca, Peugeot se dota de una firma internacional: MOTION & EMOTION Esta firma, indisociable del nombre de la marca y de su logotipo, se utilizará a partir de ahora en toda la publicidad de Peugeot.

Peugeot - Video Nuevo Logo

Recién estaba leyendo el artículo publicado en el blog del diario La Nación “No te pongas azul” escrito por Juan López, en el cual se lo destaca como el “inventor del motion graphics”; título al que adhiero, pero sin dejar de lado el resto de las obras gráficas de las que es autor y que lo convirtió en uno de los más importantes diseñadores del Siglo XX.

Saul Bass

Saul Bass nació en el Bronx, en 1920. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día dibujando. Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn, cuyo maestro era Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro quien había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al Constructivismo ruso.

Después de estar trabajando en varios despachos de diseño en New York, Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico (o “artista comercial” como comúnmente se les llamaba). Bass decidió mudarse a “Los Angeles” en 1946, debido a que en Nueva York estaba teniendo muchos impedimentos para desarrollarse creativamente. Abrió su propio estudio en 1950, dedicado principalmente a la publicidad hasta que Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película en 1954, Carmen Jones. A éste le impresionó mucho el trabajo de Bass y le pidió que diseñara la secuencia del título de la película también. Luego siguió el diseño de títulos de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch( La Tentación Vive Arriba) de Billy Wilder. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger, The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro), en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas.

Bass siguió su camino en el mundo del diseño en el cine. Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Colaboró con Alfred Hitchcock y hasta fue participante en la famosa película Psycho durante la escena de la ducha, de la cual se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Junto con su segunda esposa, Elaine, diseñó títulos para otros directores. Luego dirigió varios cortometrajes, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con el cual ganó un Oscar. Finalmente realizó una película como director en 1974, llamada Phase IV.

En paralelo, fue el encargado en diseñar algunos de los mejores posters de películas de la historia.

Saul Bass - Movie Posters

Después regresó al diseño gráfico comercial. Entre los más exitosos incluye los emblemas de AT&T, United Airlines, Minolta, Bell, y Warner Communications. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Saul Bass Logo Design

Hasta el final de su vida siguió colaborando con su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas, Cape Fear (El Cabo del Miedo), The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los 90′s.

Saul Bass falleció en 1996.

Fuente: Wikipedia

Publicado en El Serif de Chocolate, traducido del artículo Get Finch por Franciso Inchauste

Me es sorprendente lo auto-crítico que soy a veces con mi trabajo. Hay ocasiones que me es tan paralizante al punto de que dejo de avanzar. Este filtro para el diseño esta a un nivel que quizá nunca pueda hacer que ninguno de mis trabajos pase. Lo bueno es que siempre me impulsa a hacerlo mejor y a aprender más. Analizar tus capacidades, tiende a ser algo duro. Siempre pensé que era solo la manera en la que yo mismo me juzgaba. y como dudaba de lo que podía hacer. Esto era así hasta que descubrí el Efecto Dunning-Kruger.

“En el mundo moderno los estúpidos son presuntuosos mientras que los inteligentes están llenos de duda.”—Bertrand Russel

El efecto Dunning-Kruger

En 1995 un hombre en Pittshburg robo dos bancos a plena luz del día. Entro sin utilizar ninguna especie de disfraz y fue captado por las cámaras de vigilancia. Las imágenes fueron transmitidas en las noticias esa noche y fue capturado una hora después. Cuando la policía mostró al asaltante el video el no podía creerlo. Murmuro algo como ” Pero me puse el jugo”. Aparentemente estaba bajo la impresión de que untar tu rostro con jugo de limón te hacia invisible ante las cámaras de video.
Esta historia muestra que tanto nuestro conocimiento y entendimiento de las cosas más básicas de la vida afecta nuestro razonamiento y habilidades para actuar. El efecto Dunnin- Krugel se relaciona en como nos estimamos a nosotros mismos a un nivel meta-cognitivo. Establece que aquellos que no poseen el conocimiento o son incompetentes en algo como el diseño, son incapaces de evaluar su trabajo. ¿Tiene sentido, cierto?. Si no entiendes, digamos, las reglas gramaticales, entonces ¿Como evalúas que tan bueno eres? La parte más interesante es como la gente incompetente tienden a sobre-estimar en excesos su destrezas y habilidades.
Conforme te vuelves diestro en cierta habilidad, comienzas a evaluarla mejor. Nuevamente, bastante lógico. Si conoce más sobre algo, sabes más sobre lo que estas haciendo mal e intentaras mejorarlo. Ahora se vuelve a poner interesante, aquellos con habilidades altamente desarrolladas, inclusive los expertos en algo, tienden a subestimar sus esfuerzos y habilidades. Así que, como diseñador podrás saber que demonios estas haciendo y aun así pensar que estas en el promedio o justo abajo de eso. Has caído presa del efecto del falso consenso. Básicamente asumiendo que al hacer las cosas bien, todos tus demás colegas también lo deberían de estar haciendo.
Entender esto es fascinante en varios niveles. Pienso que la parte que no se relaciona al diseño es que al fin comprendo a la gente de American Idol. Todos hemos visto vídeos de el tipo cantando tan terriblemente que te ríes, y sientes pena ajena. Después al terminar los jueces dicen de una manera amable inteligente que debería buscar otra profesión. Hay algunos que solo buscan algo de atención, y otros que realmente creen que son cantantes increíbles. Esto ayuda a explicar como este tipo de pensamiento sucede y como estos cantantes evalúan sus propios talentos y habilidades.
Regresando al diseño. Pienso que hay dos observaciones basadas en este efecto. La competencia en el diseño y la falta de retroalimentación.

Compitiendo con el mundo

Es más desafiante ser un diseñador hoy que en cualquier otra época. Nunca antes habíamos sido tan capaces de mirar tan de cerca, tan instantáneamente a los trabajos y capacidades de otros. Solía ser que te comparabas con el tipo del cubículo de a lado. Algunas veces cabria una competencia local y podrías ver el trabajo de tus colegas… una vez al año. Hoy con comunidades como Dribble nos compramos, y me atrevería decir, competimos contra todos en el mundo.
Pienso que es fácil quedar atrapado en esta competencia. Provoca pensarlos dos o tres veces antes de poner algo ahí. Me pregunto ¿Es lo suficientemente bueno? Y la respuesta es que he visto mejores. Así que este podría ser el efecto Dunning-Kruger funcionando. Pienso que es mas importante que  nos fijemos en el éxito que esto le da a nuestros clientes y en el orgullo que provoca hacer un trabajo bien hecho.

Con otros diseñadores podemos discutir sobre la emoción y sentimiento en el diseño, llorar juntos con el anuncio del IPad, y emocionarnos con un icono bien hecho. Enfrente del cliente necesitamos ser capaces de levantarnos y explicar porque nuestra solución de diseño cumplirá con sus objetivos y metas. Algunas cosas serán menos que proyectos emocionantes Pon a un lado la competencia y el miedo al fracaso. Afronta la retroalimentación.

Apestamos.. en las críticas
No soy el primero en señalarlo ni tampoco el ultimo. La comunidad de diseñadores es muy buena dandonse palmaditas en la espalda y en darse ánimos. Podrías decir que es señal de una fantástica comunidad, de lo cual siento que un 80 de mi se siente así. Pero por otra parte esta la falta de retroalimentación negativa. Lo cual no ayuda a nadie. Pero en verdad promueve la incompetencia, porque los que no tiene las capacidades necesarias nunca sabrán que su trabajo es malo. También, considerando el efecto D-K, irán por ahí pensando que son mejores de lo que en verdad son.
Yo soy tan culpable como cualquier otro por esto. es difícil dar una retroalimentación crítica. Siempre temes que aquella persona se  enojara o lo tomara de la manera equivocada. Al mismo tiempo es difícil escuchar a alguien decirte que estas haciendo algo mal. Tendemos a apegarnos a nuestro trabajo y algo visto como un ataque a este es un ataque hacia nosotros. Creo que debemos de superarlo. Nadie se vuelve mejor al fingir que todo esta bien. Y si recibes críticas negativas, tómalas como una oportunidad.
Considero que las críticas negativas son mas importantes que cualquier “buen trabajo”. Es agradable recibir reconocimiento, pero si hay demasiado comienzas a preguntarte que es lo que te hace falta. Claro, ese podría ser el efecto Dunning-Kruger funcionando.

Lo que importa

Hay muchos otros factores que se relacionan en que tan buenos somos en nuestro desempeño y para auto evaluarnos. Si eres muy bueno en el basquetbol  entonces no es el solo conocimiento lo que te hace bueno. Hay un lado físico que involucra entrenamiento, resistencia y reflejos.
Para mi la lección de todo esto es que continuar desarrollando tus habilidades es importante y siempre lo será. la duda hacia uno mismo que algunas veces tenemos no te hace nada que un humano modesto. Solo trata de que no te reprima demasiado.

Articulo publicado originalmente en Espacio Virgen

Antes de que terminara la efusividad de la edición 2010 de la Copa del Mundo, realizada en Sudáfrica, la FIFA presentó junto al Presidente de Brasil, Lula Da Silva, el nuevo logo de lo que será el próximo mundial en el 2014, a organizarse en este país Sudamericano.

Ni bien terminaron de develar la identidad del torneo venidero comenzaron a surgir distintos análisis, críticas y también algunas humoradas.

Dado que VIRGEN es un espacio de diseño pensado para el razonamiento, la colaboración y la creación visual les planteo algunos puntos de vista y dejó “picando la pelota” para compartir pareceres.

El jurado:

El jurado estaba compuesto por distintas personas notables de la cultura brasileña, en su mayoría:
• Ricardo Teixeira (presidente de la Confederación Brasileña de Fútbol)
• Jerome Valcke (Secretario de la FIFA)
• Oscar Niemeyer (arquitecto brasileño, diseñador de Brasilia)
• Paulo Coelho (escritor brasileño más vendido internacionalmente)
• Gisele Bundchen (modelo brasileña)
• Hans Donner (jefa de diseño visual de la TV Globo)
• Ivete Sangalo (cantante brasileña)

El estudio ganador:

Bueno, en este caso no es un estudio de diseño el que se lleva los laureles por el trabajo, sino una agencia de publicidad del país organizador llamada África (ironía del destino o quizás un puñado de africanos complotados para crear una imagen que no opaque la del Mundial 2010).

Luego de investigar las credenciales de esta agencia, que solo cuenta con una página en Facebook (estrategia de marketing o poco presupuesto para pagar un hosting propio) sus trabajos están enfocados netamente en la publicidad (teniendo como clientes a Brahma, Itaú y Wallmart entre otros) y su única referencia a lo que compete el diseño de identidad es la empresa de telecomunicaciones móviles Vivo. Curiosamente (o no), muchas de estas empresas son las patrocinadoras del seleccionado Carioca.

El logo elegido:

Según se ha explicado oficialmente el logotipo es una representación de la Copa del Mundo formado por tres manos entrelazadas con los colores nacionales de Brasil, amarillo y verde con el año del torneo en el que aparece un tipo de letra de color rojo brillante dibujado a mano. El estilo de las manos es muy ajustado. Estas parecen que se han hecho rápidamente con la herramienta Pluma en Photoshop o Illustrator.

Video de la presentación:

Las controversias:

• LA TOMA DE DECISION:
Si bien en el diseño, el punto de vista y la opinión de personas ajenas a la profesión son valoradas, ya que ellos son los receptores del mensaje creado; ¿es correcto que participen de la decisión de un símbolo que va a ser visto mundialmente un escritor, una cantante pop y una modelo? Dejemos de lado al Presidente de la CBF y al Secretario de la FIFA, que al menos están dentro del mundo del fútbol.

• ¿S o Z?:
La primer polémica surgió en el uso de la s o la z a la hora de nombrar al país organizador, ya que dependiendo del idioma cambia su escritura (Brasil en Portugués y Español, Brazil en Inglés). Afortunadamente (para los diseñadores) lo pudieron fácilmente resolver invirtiendo la letra en cuestión.

• ¿TRES MANOS?:
¿La presencia de tantas manos corresponde a las del arquero y una posible nueva “mano de Dios”? ¿O se están empezando a desarrollar arqueros genéticamente modificados, que tengan 3 manos para que puedan controlar de manera más efectiva las pelotas polémicas desarrolladas por Adidas?

• LOS COLORES:
Siendo que la bandera de Brasil es de color verde, amarillo y azul, ¿cómo se justifica el uso del rojo?

• CONTRADICCIONES HISTORICAS:

En el 2007, Brasil presentó la que supuestamente sería la identidad del nuevo mundial en un partido amistoso. Dejando abierta la opinión sobre dicha marca, ¿por qué fue descartada?

Conclusiones

Cerrando este artículo, les dejo el proceso de desarrollo que utilizaron los creativos para definir el logo. Según fuentes extra oficiales y de carácter reservado, los diseñadores estaban llegando sin ninguna idea clara para presentar, hasta que unos de ellos ante la desesperación y mediante un trabajo de minucioso análisis observatorio, logró inspirarse de lo que sucedía en su entorno y llegar al resultado final. A continuación la representación gráfica:

Si bien todavía restan 4 años para que ruede la pelota del próximo campeonato, que mejor que mantener viva la emoción combinando dos pasiones mundiales como los son el diseño y el fútbol.

Aerolíneas Argentinas, con la siempre controvertida explicación de que la marca debe cambiar para reflejar una nueva etapa de la compañía, ha rediseñado su sistema de identificación visual.

Como parte del cambio se ha hecho una intervención sobre su símbolo emblemático: el cóndor, y como dice la página web oficial de la línea aérea: «Ese símbolo, nacido a mediados del siglo pasado, se rescata hoy más que nunca estilizándolo y refinándolo de un modo sutil y respetuoso».

Curiosamente, a pesar de que «se lo rescata hoy más que nunca» el cóndor ha desaparecido prácticamente de los aviones, que es el lugar de mayor exposición de marca para una compañía de aviación. Se ha cambiado la tipografía y el tratamiento cromático de la flota.

Nueva gráfica aplicada al avión de Aerolíneas Argentinas.

Gráfica previa de los aviones. –>Nueva gráfica de los aviones.

Clip de presentación de la nueva imagen de Aerolíneas Argentinas.

Si bien las explicaciones que se dan en el sitio de Aerolíneas Argentinas son muy breves, resultan suficientes para abrir el debate sobre la pertinencia y la calidad de los nuevos signos y el sistema aplicado:

• ¿Qué opinión le merece el cambio en la identidad visual de Aerolíneas Argentinas? ¿Es mejor o peor que la anterior?

Visto en ForoAlfa

Justin Reed es un ilustrador Estadounidense, nacido en 1979, y recibido en la Universidad de Massachusetts-Dartmouth como Ilustrador en la carrera de Bellas Artes. Sus trabajos reflejan la cultura pop cinemátográfica retratando a sus personajes más icónicos.

Es destacable también el uso y detalle de las perspectivas que crea de fondo en sus obras.

Recomendamos visitar su blog para conocer un poco más sobre su proceso de trabajo.

Portfolio / Blog

The Dark Knight

A Clockwork Orange

Gangsters