Para celebrar el post N° 200 de este blog nada mejor que hacer una reseña del gran diseñador Inglés Peter Saville.

Peter Saville nació en Manchester en el año 1955. Estudió diseño gráfico en la Manchester Polytechnic (más tarde Universidad Metropolitana de Manchester) desde 1975 hasta 1978.

FAC1

Saville entró en la escena musical después de reunirse con Tony Wilson, el periodista y presentador de televisión, a quien se acercó en un show de Patti Smith en 1978. Esto dio lugar a que Wilson le comisionara la realización del primer cartel de Factory Records (FAC 1). Saville se convirtió en socio de Factory Records, junto con Wilson, Rob Gretton y Alan Erasmus.

La era Factory Records

Peter Saville diseñó muchas de las tapas de los artistas de Factory Records, sobre todo para Joy Division y New Order.

Influenciado por su compañero de clase Malcolm Garrett, que había comenzado a diseñar para el grupo de punk de Manchester, los Buzzcocks, y por Herbert Spencer Pioneros de la Tipografía Moderna, Saville fue inspirado por Jan Tschichold, principal propagandista de la Nueva Tipografía.

Según Saville:

“Malcolm tenía una copia de Herbert Spencer’s Pioneers of Modern Typography. Uno de los capítulos que no había reinterpretado en su propia obra fue la fría y disciplinada” Nueva Tipografía “de Tschichold cuya sutileza me llamo la atención. Encontré un paralelo en la misma para la nueva ola que se desarrollaba fuera del Punk. “

El diseño de Saville del último álbum de Joy Division, Closer, fue lanzado poco después del suicidio de Ian Curtis en mayo de 1980, creando una fuerte controversia en su descripción del cuerpo de Cristo sepultado. Sin embargo, el diseño es anterior a la muerte de Curtis, un hecho que revista de rock New Musical Express fue capaz de confirmar, ya que podido demostrar que la obra estaba expuesta en sus paredes durante varios meses previos.

El periodo posterior de Saville incluye la reapropiación del arte y el diseño.  Alice Twemlow, crítica de diseño, escribió:

“… en la década de 1980 … de modo directo y irreverentemente “levantó” una imagen de un género puntual -por ejemplo- la historia del arte y logró recontextualizarla en otro. El cuadro de Fantin-Latour, “Rosas”, combinándola con un alfabeto de colores se convirtió en la portada del álbum seminal de New Order Power, Corruption and Lies (1983), por ejemplo.”

En la película de 2002, 24 Hour Party People, que está basada en Tony Wilson y la historia de Factory Records, Saville es interpretado por el actor Enzo Cilenti. Su reputación por el incumplimiento de los plazos es cómicamente destacado en la película.

Después de Factory Records

En 1979 se trasladó de Manchester a Londres y se convirtió en director de arte del subsello de Virgin Records, DinDisc. Posteriormente, profundizó su refinamiento sobre el Modernismo, trabajando para artistas como Roxy Music, Duran Duran, Wham!, Ultravox y Orchestral Manoeuvres in the Dark.

Saville fundó la agencia de diseño Peter Saville Associates (sobre todo para el diseño de artistas musicales y sellos discográficos) antes de que él fuera invitado a cerrar su oficina en 1990 para unirse al estudio Pentagram.

En 1993 salió de Londres y se mudó a Los Angeles para unirse a la agencia de publicidad de Frankfurt Balkind con Brett Wickens. Pronto regresó a Londres donde contactó al diseñador Howard Wakefield para reiniciar el estudio de diseño. Durante 3 años se dieron a conocer como The Apartment for the German advertising agency Meiré & Meiré desde el departamento modernista Saville en Mayfair, que también se duplicó con un estudio de Londres. (El mismo departamento es el que se representa en la tapa del álbum de Pulp “This Is Hardcore”).

El estudio produjo trabajos para clientes como Mandarina Duck y Smart. En 1999 se trasladó a las oficinas de Saville en Clerkenwell para después cambiar el nombre del estudio en 2002 como “Saville Associates” (en 2005 pasó a denominarse “Saville, Parris, Wakefield”).

Saville creció en la demanda de generaciones más jóvenes de publicitarios y modistas, que crecieron influenciados con sus trabajo para Factory Records. Logró un auge comercial con diversos clientes para realizar consultoría de diseño, como Selfridges, EMI y Pringles. Otras comisiones importantes venían del campo de la moda, incluidos Jil Sander, Martine Sitbon, John Galliano, Yohji Yamamoto, Christian Dior y Stella McCartney.

Saville trabajó a menudo en colaboración con su amigo de años, el fotógrafo Nick Knight. Los dos lanzaron un sitio web de arte y moda SHOWstudio en noviembre de 2000. El diseñador de moda belga Raf Simons consiguó acceso total a los archivos de los proyectos de Factory para integrarlas en la colección “Closer Raf Simon” Otoño / Invierno 2003-4.

En 2004, se convirtió en director creativo de la ciudad de Manchester, como consultor.

En 2010, Saville diseñó la camiseta de la Selección Inglesa de Fútbol.

Cincuenta ojos, tres corazones, cinco manos y un radar en la espalda. Es lo mínimo indispensable, el equipaje básico para convertirse en un buen cazador. O en un buen fotógrafo, asegura él, pocos antes de la apertura de una de las muestras más importantes de su trayectoria, Aldo Sessa. 50 años, con la que celebra medio siglo de trabajo detrás de la cámara. A lo largo de la entrevista él no dirá una sola vez “cámara”. Siempre se referirá a la “máquina”. Hablará de cuánto se parece esa máquina a otros instrumentos de trabajo. Y de cómo un fotógrafo se asemeja a alguien que acecha a su presa con todos los sentidos.

La charla con LNR transcurre en un salón de su galería-estudio, en el pasaje Bollini, un viernes ajetreado por los preparativos de la muestra. Una tarde con rastros de apuro y olor a copias frescas. El salón donde conversamos es amplio. Fotos, pruebas de impresión, computadoras, colaboradores, clima fabril. Sessa acomoda su silla junto a la ventana, de espaldas a una estantería repleta de libros. Libros de lomos gruesos que llevan su apellido bien grande, junto a palabras que titulan los temas que ha tocado a lo largo de su trayectoria: Patagonia, Buenos Aires, Teatro Colón, Gauchos, Polo, Argentinos, por citar sólo algunos de los más de 40 libros de Sessa Editores, que fundó en 1976. Esos libros están en más de cien bibliotecas nacionales de diferentes países del mundo. Pero estamos acá con motivo de la muestra -de la que también resultó un libro, Aldo Sessa. Pasión por la imagen- que resume su vida como fotógrafo, sus cincuenta años de fotografía.

-No son 50 años -corrige Sessa.

-¿Cuántos son?

-Son más de 100. A través de la fotografía he vivido muy intensamente. Es una gran exposición: ciento cincuenta fotos que aclaran mi pasado.

-¿Aclaran?

-Sí, digo “aclaran” porque fue difícil hacer una síntesis. He trabajado con muchas temáticas, materiales, formatos. Elegir ciento cincuenta fotografías fue como escoger la prosa de un telegrama; menos que eso. Imaginate: saco unas quinientas fotos por semana.

-¿Las cuenta?

-No. Digo un promedio. Siempre estoy haciendo fotos. Siempre salgo con una cámara. Pero no tengo idea de cuántas hice.

-Siendo tan prolífico su trabajo, ¿cómo fue el proceso de selección para la muestra?

-Quise tomar un camino que mostrara las mejores imágenes del recorrido. Es una síntesis muy subjetiva; creo que las síntesis siempre son positivas. Empezaron a aparecer negativos y fotos con fuerte carga emocional, recuerdos, miles de historias. Me encontré con imágenes que nunca había visto copiadas en el tamaño en que las veo ahora para la muestra. O algunas que no había mostrado, como las polaroids.

-¿Algo que lo sorprendió en esta edición de medio siglo de fotos?

-Me dio mucho placer descubrir desde las primeras fotos hasta hoy una coherencia. En el arte es muy importante hacer las cosas de una manera particular, tratar de dejar una marca de esta forma de pensar y sentir. A eso le llamaría estilo. Y me parece que eso está.

En el principio había una mujer. De espaldas, con un sombrero de paja. Esta es la primera foto que tomó Sessa, a los 17 años. “La saqué en Punta del Este, con una máquina prestada. El negativo lo tenía un amigo mío; me lo regaló. Es una foto que podría haberla sacado ayer.” Tenía 17 años y no era un novato.

Aldo niño asistía con su madre a las clases de escultura de Lucio Fontana. Aplastaba la arcilla entre sus dedos. A los diez empezó a jugar en serio con el dibujo y la pintura en el taller de Marcelo De Ridder. A los doce ya se apersonó con su caballete en la avenida Santa Fe, un Día de la Primavera, y participó del tradicional concurso de pintura. A esa misma edad mostró sus obras junto a una treintena de niñitos pintores en la galería Müller. “En mi casa había muchísimo interés por la pintura y la fotografía. Iba a galerías con mi madre. Cuando llegué a la foto, conocía los aspectos cromáticos, luz, sombra, volumen, composición.” En la patria de su infancia había genes propicios. Su abuelo había fundado, en 1928, los laboratorios fotográficos Alex, que hicieron historia en el cine argentino. Su abuela revelaba fotos. Su padre tenía una imprenta donde Aldo trabajó tres años. “Mi familia fue muy trabajadora, un gran ejemplo. Y la fotografía estuvo delante de mis narices muchos años antes de que sacara fotos. La había postergado porque era tan natural en mi casa…”, dice.

Hizo sus primeras armas en el círculo de los fotoclubes. “Iba a La Boca todos los sábados; me quedaba todo el día. Me encantaba; me sigue encantando. He sido muy feliz siempre con la fotografía. La fotografía me humanizó mucho. La pintura es muy instropectiva. Uno vive en un plano, por ahí se aísla de la realidad. Cuando empecé, sentí que la fotografía me conectaba con el sonido, con la dinámica de la vida”, dice.

Empezó a trabajar como fotógrafo colaborando con La Nacion allá por 1960. Durante varios años, fotografió y pintó. Por entonces decía que la pintura era “mi estado cóncavo”; y la fotografía, “mi estado convexo”. Ahora cree que la pintura es una batalla campal y que la fotografía da más satisfacciones. La luz, la sombra; todo se fabrica muy rápido.

-¿Qué es la fotografía para usted?

-Es la profunda observación y, en general, una realidad dibujada. Cuando salgo, voy mirando lo que tengo a un metro, a diez metros. Miradas rápidas; todo lo que puedo abarcar. Trato de tener mi cámara siempre preparada. Y si cambio de vereda, o camino por la sombra, coloco la exposición adecuada aunque aún no haya elegido qué fotografiar. Voy preparado, y si cruzo al sol sé que diafragma tengo.

-¿Va por la vida va con la cámara a cuestas?

-Sí. Casi siempre me cuelgo al cuello una Leica con blanco y negro. Tengo varias, las colecciono. Su sonido es para mí como una nota de Beethoven. Con esa máquina naufragaría en una isla. Es muy silenciosa, la usé mucho en el Teatro Colón. Pasás inadvertido. Incluso me he olvidado una Leica en un bar y me la han devuelto. Es tan simple, tan poca cosa. Liviana: es importante tener un equipo muy liviano.

Ha cruzado varias veces el puente entre la fotografía y la literatura. En 1976, Aldo Sessa hizo su primer libro con Borges, Cosmogonías.

-Borges era absolutamente genial, como Ray Bradbury. He tenido la suerte de trabajar con personalidades muy interesantes, que me marcaron mucho. En el caso de Bradbury, tiene una gran calidez, casi como un pastor, cariñoso, cálido. Muy buen amigo. Muy libre. Cree mucho en la suma, en la potenciación de las personalidades; no le interesa si el libro es literatura o fotografía, dónde empieza una cosa o termina la otra. Es de una gran generosidad.

Una de sus fotos preferidas es la que hizo para la tapa del libro con Bradbury Sesiones en fantasmas. En tanto, Bradbury escribió sobre las fotos de su amigo: “Lo que hace una buena fotografía es captar lo que está allí, pero parte de su calidad consiste en que también lo haga con lo que no está. Más que delinear, sugiere. Es una sesión de espiritismo dentro del cuarto oscuro, donde lo que no se ve se levanta de la muerte”.

Sessa también trabajó con las hermanas Victoria y Silvina Ocampo.

-Ellas me transmitieron su amor por el mundo vegetal. Eran unas enamoradas de los árboles y de las flores. Me compenetré con esa visión que tenían, tan acabada. Silvina era increíble: me enseñó a ver los árboles de una manera diferente. Hicimos juntos un libro, Arboles de Buenos Aires.

También rescata el impacto que tuvieron sobre su mirada Manuel Mujica Lainez -con quien hizo varios libros- y el arquitecto José María Peña. Algunas de estas fotos que cruzan hacia la literatura también forman parte de la muestra.

-¿Qué quiere capturar al hacer clic?

-Siempre estoy buscando una gran foto. Yo les digo a los chicos: traten de hacer dos fotos buenas por año. En 20 años tendrán 40 fotos; no está mal.

Habla como si nunca terminara de aprender qué pasa con la luz. Y se entusiasma contando cómo el azar de lo que encuentra en la calle se incorpora a sus fotos. Vidrios, piedras, flores, perlas, tules. Una copa rota, un reflejo sobre la vía, el cielo en un charco. Cosas de un minuto.

-¿Qué cambió con la Web?

-Lo que está cambiando es el modo de circulación de las fotos. Eso atenta en cierta medida contra el registro fotográfico. Nos estamos perdiendo muchas buenas fotos porque cada vez se hacen menos copias. Las imágenes hacen su circuito por Internet, van de teléfono a teléfono, o mueren en un mail. Con las cámaras digitales, al común de la gente le resulta difícil ordenar un archivo. Se pierden materiales que iconográficamente pueden ser importantes.

-¿También en familia saca fotos?

-¡Miles! Me critican mucho (se ríe). Dicen que no las ven nunca. No puedo copiar todo lo que saco. Pero a mis nietos los fotografío bastante. Todo el tiempo estoy viendo acá y allá. Tengo un gran sentido de la luz. La respiro. Si estoy en un lugar con una luz maravillosa, puedo vivir con los ojos de lo que veo, no necesito nada más. Vivo intensamente la luz, las formas, los volúmenes. Si tengo una gran escena adelante y no llevo la máquina encima, anoto en mi cuaderno la hora y el lugar, y vuelvo otro día a sacarla.

-¿Es así en otros planos de su vida?

-Es que vivo en ese plano. Es una obsesión. Y quiero destacar que en esto mi familia ha sido muy importante. Es un trabajo en el que tenés que tener mucha libertad. Mi esposa es una gran compañera de viaje, capaz de estar en el auto desde el amanecer hasta las doce de la noche. Mis tres hijos también. La menor, Carolina, es diseñadora grafica: ella ha diseñado los libros. Luis se ocupa de la editorial; descanso mucho en él y en mis valiosos colaboradores.

-¿Qué proyectos le quitan el sueño?

-Tengo ganas de agarrar una máquina e irme unos días al Valle de la Luna. Jugar más. Ese tipo de cosas. Con el tiempo, el mundo se agranda y la visión se comprime. Pero también, como con la muestra, se hace una síntesis. Hoy quiero tener mi agenda lo más libre posible para disponer del tiempo necesario y sacar más fotos.

Por María Eugenia Ludueña

Consejos de experto

-¿Qué es importante para ser buen fotógrafo?

-Usar un equipo simple y confiable. Arreglarse con pocos elementos.

-¿Las lentes son fundamentales?

-No es necesario usar muchas lentes. Casi siempre me arreglo con una. Veo a mucha gente con una gran foto adelante, pero tan ocupada en hacer funcionar la maquinaria o en mirar el visor, que se pierde la foto.

-¿Alguna fórmula propia para compartir?

-Muchos están más preocupados por la tecnología que por mirar y cazar. Y en esto hay que ir sobre la presa, preconcebir un ángulo, atacar por ahí. Seguir la teoría del opuesto: girar alrededor con los sentidos geográficos y ver desde todos los ángulos.

-¿Qué relevancia tiene la luz natural?

-Hay que trabajar con la luz hasta el momento en que uno crea que ha podido agotar todo el juego, todo lo que una situación pueda dar. Y no dejar nunca de sacar fotos. La fotografía es aprender a mirar. Todo tiene un momento.

-¿Las nuevas tecnologías ayudan o quitan la magia?

-Creo que el universo de lo digital es una maravilla y ha logrado unos avances increíbles. Hay copias perfectas hechas de manera industrial, aunque las artesanales conservan el encanto del laboratorio.

La muestra

• La exposición Aldo Sessa. Pasión por la imagen podrá verse desde el 1° de septiembre hasta el 1° de octubre en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, Junín 1930. Cuenta con el auspicio de HP (que imprimió el 95% de las fotos con Designjet Z3200), y de BMW, Omint, Norton, Getty Images. Apoyan la muestra La Nacion, Telefé y Fundación Leer.

• También se inauguró recientemente la primera instalación fotográfica en el subte, en la estación Juramento de la línea D. La pieza, de Aldo Sessa, es Tango. Serie del baile.

Visto en LaNacion.com

Al igual que los discos de vinilo, el hair metal y Ricky Martin, el mundo del rock art – discos, carteles y similares – no llaman la atención como lo hicieron alguuna vez. En estos días, los pocos trabajos visuales “no-video”, que siguen siendo parte de la experiencia de la música, están generalmente reducidos para caber en la pantalla de un iPod, si es que aparecen. Una variante, que no sólo sigue viva, sino floreciente sin embargo, es el diseño de carteles de conciertos.

La revista musical Billboard armó una selección de los que, a criterio de ellos, son los mejores posters musicales de eventos en vivo de la historia, pasando por diversos estilos musicales, desde Thelonious Monk hasta Pink Floyd. La presentación muestra un detalle del cada uno de ellos, año de creación y el nombre del diseñador.

Ver más… The 25 Best Rock Posters of All Time

En el barrio porteño de San Telmo (Argentina) se encuentra el Museo Maguncia del papel, grabado y estampa. Allí se pueden encontrar maquinarias para la realización artesanal del papel y realizar un recorrido a través del proceso de elaboración del mismo en tiempo real, permitiendo a los asistentes ser participes de la elaboración, mientras conocen los materiales y las ténicas aplicadas.

A su vez se realizan muestras de diversos artistas con muestras permanentes e itinerantes. Otro punto a destacar es el dicatado de cursos de elaboración de papel y grabado.

El museo se enecuentra en la calle Pedro de Mendoza 185, de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires; de Martes a Domingo de 10 a 18 hs. Para realizar consultas escribir a nfo@museomaguncia.com.ar.

Visto en… Colectivo Imaginario (TN)

Más info en… Museo Maguncia